Com seu amigo íntimo Andy Warhol, ele começou sua carreira se rebelando contra a abstração

O retratista Philip Pearlstein em frente a uma de suas pinturas em seu estúdio em 1989. (Jack Mitchell/Getty Images)

 

Philip Pearlstein (Pittsburgh, 24 de maio de 1924 – Nova Iorque, 17 de dezembro de 2022), foi um artista que com seu amigo Andy Warhol se rebelou contra a abstração na década de 1950 e construiu um legado baseado em pinturas realistas e até ousadas de modelos nus.

Nativo de Pittsburgh como Warhol, Pearlstein estudou arte e design nos anos durante e após a Segunda Guerra Mundial no Carnegie Institute of Technology (atual Carnegie Mellon University), onde ele e Warhol se conheceram e estudaram com professores que trouxeram a vanguarda da pintura de Nova York ao oeste da Pensilvânia.

Depois de se formar em 1949, os ambiciosos jovens artistas se mudaram para Manhattan, carregando seus pertences em sacolas de compras e se sustentando como ilustradores e designers para revistas e lojas de departamentos. Warhol alcançou sucesso quase instantâneo como ilustrador de moda, mas Pearlstein foi o primeiro a encontrar seu caminho como artista.

Inspirado por uma ideia para uma ilustração, Pearlstein pintou um grande cifrão no centro de uma tela, o que levou a uma série do que ele chamou de “pinturas de ícones”, que incluíam a Estátua da Liberdade, Dick Tracy e Superman. Exibidas em Nova York em 1952, as obras prefiguram o movimento Pop Art em uma década; Warhol começou a desenhar e pintar cifrões no início dos anos 1960.

Naquela época, o Sr. Pearlstein havia passado a desenhar e pintar figuras humanas diretamente da observação no estúdio. Essa técnica era quase tão antiga quanto a própria pintura e continua sendo usada, principalmente nas escolas de arte, mas em uma década que contou com o Pop, o Minimalismo e a Arte Conceitual, parecia retrógrada.

Sr. Pearlstein, no entanto, escolheu ver a si mesmo como um rebelde do mundo da arte. “Parece loucura da parte de qualquer pintor educado nos métodos de pintura do século XX tomar como tema a figura humana nua”, escreveu ele na revista ARTnews em 1962. Ele passou a fazer da figura humana nua seu assunto para o próximo meio século.

Ao contrário dos nus carnudos, pulcritudinosos e radiantes de Rubens e Renoir, os modelos de Pearlstein são pintados como seres humanos comuns. Sua carne frequentemente flácida e desconfortavelmente colocada e suas expressões revelam o tédio do processo de modelagem terrivelmente lento. Algumas pinturas incluem homens, mas a grande maioria retrata mulheres.

Estômagos mostram dobras e vincos, seios sucumbem à gravidade e braços, pés e joelhos ocupam muito espaço na tela, produzindo um efeito vertiginoso. A tinta em si parece refutar qualquer indício de glamour na carne, com tons opacos de marrom e bege contestando a insistência de Renoir em rosas brilhantes de algodão-doce.

Juntos, as figuras e objetos criam composições complexas que parecem desafiar a lógica espacial. Esse efeito é obtido em parte pelo corte abrupto nas bordas das pinturas, supostamente uma consequência da técnica do Sr. Pearlstein de começar sua pincelada no centro da tela e trabalhar para fora. O precedente mais próximo poderia ser as proporções contorcidas encontradas nas pinturas maneiristas do final do Renascimento.

O Sr. Pearlstein posicionou seu trabalho como uma declaração contra a preocupação modernista com o achatamento do plano pictórico e a insistência do cubismo em múltiplos pontos de vista. Em vez disso, ele fez da perspectiva tanto sua aliada quanto sua inimiga, criando pinturas que desafiam as próprias ilusões que elas oferecem.

Em um artigo da ARTnews de 1962, “Pinturas de figuras não são feitas no céu”, o Sr. Pearlstein rejeitou a noção predominante de que o espaço de uma pintura precisava ser plano, tornando assim o trabalho necessariamente abstrato. “Uma proibição moralista foi imposta ao ilusionismo espacial”, escreveu ele. “Mas é uma proibição arbitrária. A planicidade do plano pictórico não é mais verdadeira do que a planicidade do mundo antes de Colombo.”

Muitos críticos adoraram seu trabalho desde o início. O pintor e crítico de arte Sidney Tillim chamou a primeira exposição individual de pinturas de figuras de Pearlstein de “exposição histórica”, argumentando com aprovação na Arts Magazine que os modelos retratados não eram símbolos de beleza, mas fatos humanos.

Filho de pai imigrante russo de primeira geração e mãe imigrante lituana, Philip Martin Pearlstein nasceu em Pittsburgh em 24 de maio de 1924. Seus pais vendiam galinhas e ovos durante a Grande Depressão, mal sobrevivendo, mas quando Philip desenvolveu um interesse em arte, eles o deixaram assistir às aulas de sábado no Carnegie Museum of Art.

No segundo ano do ensino médio em 1941, ele ganhou o primeiro e o terceiro prêmios em uma competição nacional de arte do ensino médio patrocinada pela Scholastic Magazine, e a revista Life reproduziu suas pinturas vencedoras. Depois de se formar, ele se matriculou no Carnegie Institute of Technology, mas em seu primeiro ano, foi convocado para o Exército. Ele serviu na Segunda Guerra Mundial na Itália como artista gráfico, projetando sinais de trânsito e outros recursos visuais.

No final de seus três anos de serviço, o Sr. Pearlstein voltou ao programa de arte na Carnegie Tech. Um aspirante a artista mais jovem, Andy Warhola (mais tarde ele abandonou o “a” no final), estudou ao lado dele e, segundo todos os relatos, o considerava um irmão mais velho mais mundano e talentoso.

Depois de se estabelecerem em Nova York, eles moraram juntos por um ano antes de Pearlstein se casar com Dorothy Cantor, uma pintora que também havia sido colega de classe da Carnegie Tech. Ela morreu em 2018.

O Sr. Pearlstein sustentou-se em seus primeiros anos em Nova York trabalhando para o designer gráfico nascido na República Tcheca Ladislav Sutnar e depois para a Life. Depois que suas pinturas começaram a atrair a atenção da crítica, o artista foi procurado como professor; ele lecionou no Pratt Institute de 1959 a 1963 e depois no Brooklyn College até 1988.

Sua carreira artística decolou em meados da década de 1950, quando ele produziu uma série de pinturas de rochas e árvores que havia esboçado em um verão no Maine. Depois vieram as pinturas de ruínas romanas que ele desenhou durante uma bolsa Fulbright na Itália em 1958 e 1959. Seu próximo trabalho, baseado em uma decisão consciente de expurgar os últimos vestígios de expressionismo pincelado de sua arte, foi de modelos nus pintados de forma realista.

Essas pinturas, exibidas na Allan Frumkin Gallery em Nova York em 1963, consolidaram sua reputação como um artista disposto a confundir a moda estética. Eles também consolidaram seu compromisso de pintar a figura humana ao longo dos próximos 50 anos, com exceção de uma série contínua de retratos vestidos de artistas, familiares e amigos.

Philip faleceu em 17 de dezembro em um hospital em Manhattan. Ele tinha 98 anos.

A morte foi confirmada por Betty Cuningham, da Betty Cuningham Gallery, em Nova York.

Sobreviventes incluem três filhos e dois netos.

(Crédito: https://www.washingtonpost.com/arts/2022/12/17 – Washington Post/ ARTES/ Por Andy Grundberg – 17 de dezembro de 2022)

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