Powered by Rock ConvertARTE: MOSTRAR FOCO EM DAVID PARK
David Park (Boston, Massachusetts, 17 de março de 1911 – Berkeley, Califórnia, 20 de setembro de 1960), foi uma figura chave no desenvolvimento da pintura da área da baía de São Francisco
Sua obra é amplamente conhecida entre os pintores, no entanto, ele amava a pintura, amava o mundo natural e foi o pintor da Bay Area que passou pelo Expressionismo Abstrato para retornar à figura humana. O estilo de Park era claramente expressionista, mas seus monumentos ao gesto e à cor também são habitados pelo silêncio.
Embora existam pinturas representativas do início dos anos 1950, como ”Prima Emily e Pet” e ”Ball Game on the Beach”, quase todas as obras são do final dos anos 1950, quando o tema de Park tornou-se mais geral e seu trabalho decolou.
David Park nasceu em Boston em março de 1911. Ele viveu em San Francisco de 1929 a 1936 e depois de 1941 até sua morte em 1960. Ele era amigo de artistas influentes da Bay Area como Richard Diebenkorn (1922-1993) e Elmer Bischoff (1916-1991). De muitas maneiras, a pintura de Park é característica da arte da Bay Area. A partir de 1949, quando desempenhou quase todas as suas pinturas abstratas no lixão da cidade, até sua morte, Park pintou temas simples – grupos de pessoas, às vezes lutou, às vezes sentados, às vezes tocando música, muitas vezes envolvidos em atividades ao ar livre como natação, canoagem ou jogos em uma praia.
Também como outros pintores da Bay Area, Park era fascinado pela luz e pela cor branca, que Claes Oldenburg (1929-2022) identificou como o “branco violento daqueles edifícios de gesso” de São Francisco. Park pintou com um pincel bem carregado e um certo senso de estrutura. Como Clyfford Still (1904-1980), que lecionou em São Francisco nos anos 40 e se tornou uma influência tolerante na pintura da Bay Area, a atração de Park por assuntos externos pode ser combinada com cores taciturnas e introspectivas.
Os pontos fortes e fracos do trabalho de Park são inseparáveis dos pontos fortes e fracos da arte da Bay Area em geral. Para os expressionistas abstratos, assim como para as gerações sucessivas de artistas em Nova York, a principal preocupação artística era a Europa. Para os artistas da Bay Area, a questão não era apenas a Europa, mas também Nova York. Não havia como um pintor de grandes ambições deixar de considerar os dois, e a partir do Expressionismo Abstrato, considerar os dois muitas vezes significava tentar conciliar duas coisas muito diferentes. Essa responsabilidade punitiva é uma das razões pelas quais tanta arte americana ambiciosa produzida fora de Nova York não teve a confiança e o alcance da melhor arte de Nova York.
O trabalho de Park está repleto de América e Europa. As perspectivas estranhas vêm do impressionismo e do pós-impressionismo. Os profetas e palhaços sugerem Georges Roualt. A cor e a abordagem da linha como cor devem algo ao fauvismo. Os arlequins e banhistas de Park e seu tom melancólico sugerem Picasso. Seu senso de estrutura nasce de uma tradição que inclui Chardin e Piero della Francesca. Mas os remadores e canoístas de Park vêm da pintura americana, e a fisicalidade e o frescor de sua pintura dependem do expressionismo abstrato. Essa combinação de elementos ajuda a explicar a riqueza da obra de Park, bem como a dificuldade do artista em gerar um todo que fosse nitidamente maior que a soma de suas partes.
Em seu livro publicado recentemente, “Art in the San Francisco Bay Area 1945-1980″, o falecido e influente crítico de arte Thomas Albright aponta que San Francisco tem tradicionalmente combinado gentileza e amor ao prazer com o tipo de independência e rebeldia que produziu os hippies e os beats. O trabalho de Park parece direto, mas aguarda é o que parece ser e pode ser perturbador. ”A arte deve ser uma coisa problemática”, disse Park, ”e uma das razões para pintar de forma representativa é que isso cria quadros muito mais problemáticos”.
A complexidade do sentimento de Park é comunicada de várias maneiras. Enquanto muitas figuras estão em meio a atividades físicas desinibidas, estou ansiosa por uma sensação de ar e espaço em que as figuras podem se mover. Áreas pictóricas indefinidas podem ser mais seguidas e mais cheias de intenção do que as figuras. Às vezes o espaço se fecha; às vezes parece tão traiçoeiro quanto areia movida. Em “Banheiras”, de 1956, duas figuras aguardam esperançosas no oceano diante de uma onda que parece prestes a se abrir e devorá-las.
Quando as figuras de Park estão nuas, elas não parecem nuas. Há invariavelmente alguma hesitação, alguma reserva que trabalha contra o imediatismo identificado com suas atividades e a força gestual da tinta. Talvez isso tenha a ver com uma atitude em relação ao corpo que vem da criação de Park – seu pai era um ministro unitarista. Talvez tenha a ver com uma cautela das pessoas que se reflete em uma pintura como “Prima Emily e Pet”. Talvez tenha a ver com as grades pictóricas invisíveis que isolam áreas da pintura umas das outras.
Mas também há uma ambivalência embutida na própria pintura. Park tinha um toque seguro e às vezes inspirado. Em seu trabalho tardio, ele não conseguiu colocar uma marca na tela sem que ela explodisse em significado. A mesma zona de cor pode ser figura e fundo. Pode ser uma forma, pode iluminar uma forma, expondo-a abruptamente à luz, e pode sustentar outra forma, como se fosse o ombro de um amigo.
Não importa o quão claramente a pincelada de Park retrate algo, ela sempre permanece independente. Embora cada pincelada se torne uma força própria, ela nunca é abstrata, nunca é apenas pintura. No final, as pinceladas parecem ser uma realidade maior que as figuras, maior que o sujeito, maior que o artista. É a pincelada, mais do que tudo, que constrói nessas celebrações da vida sensual um senso de questionamento, um senso de estar no mundo e não saber o que fazer com ele, um senso de artista com o controle mais preciso. que se colocou nas mãos do desconhecido. Também de interesse esta semana: Douglas Florian (22 Wooster Street Gallery): A força das pinturas sem título de Douglas Florian depende em grande parte de uma dupla perspectiva. Parece que olhamos para o seu trabalho de longe, de um avião, ou mesmo de uma nave espacial. Ao mesmo tempo, podemos nos sentir tão próximos quanto a um microscópio. Quanto mais olhamos, mais somos arrebatados e mais nos aproximamos das imagens, mas as pinturas nunca perdem a distância.
As pinturas são construídas em torno de uma grande área de cor única. Todos sugerem mapas e paisagens. É como se Florian tivesse tomado o tipo de organização que pode ver nas pinturas de Clyfford Still inspirada em paisagens em grande escala e tornado como áreas pictóricas resultantes dessas divisões mais específicas e íntimas. Há claras sugestões de montanhas, lagos, árvores, rios e campos. Em uma pintura, há sugestão de um redemoinho. Em outro, o branco surge a tal ponto que podemos sentir que estamos observando calmamente uma torrente de água e sendo sugados por ela.
Algumas contêm formas animadas. Em um deles, formas que poderiam sair de um Kandinsky rigorosamente controlado tornam-se pequenas pessoas se movendo e brincando, como figuras em uma tapeçaria medieval, talvez, ou como figuras pictográficas em pinturas rupestres. O que torna essas pinturas tão gratificantes de se ver é sua estrutura sólida e nunca inesperada, que permite que os movimentos e as imagens se desenvolvam e falem por si.
Em 1988, Park recebeu uma retrospectiva noWhitney Museum of American Art, na cidade de Nova York.
(Créditos autorais: https://www.nytimes.com/1985/09/06/arts – New York Times/ ARTES/ Arquivos do New York Times/ Por Michael Brenson – 6 de setembro de 1985)
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