Em meados da década de 1960, quando a arte conceptual, a Pop Art e a escultura minimalista estavam em ascensão e a pintura foi declarada morta por muitos críticos e artistas, o Sr. Marden emitiu uma poderosa contra-afirmação.

Suas pinturas, exibidas pela primeira vez em Nova York na Bykert Gallery em 1966, pareciam irredutivelmente minimalistas à primeira vista – um campo sólido de cor para cada tela, em tons ambíguos de cinza e verde, com uma faixa sem pintura de uma polegada na parte inferior onde pinga de tinta acabou. Olhando mais de perto, as superfícies mate, conseguidas através de uma mistura de tinta a óleo e cera de abelha liquefeita, abriam-se para revelar intrincadas camadas texturais, aplicadas com pincel e espátula, que refletiam a sua preocupação com mestres como Zurbarán, Goya e Cézanne e a sua total rejeição de a estética impessoal do conceitualismo e do minimalismo.

“Parece que, como as primeiras pinturas eram apenas de uma cor, pode-se dizer que eram de uma cor, sem sentimentos – mas em vez de sem sentimentos, eram todos esses sentimentos”, disse Marden à revista Bomb em 1988. “Cada camada era um cor, era um sentimento, um sentimento relacionado ao sentimento, à cor, à camada abaixo dela. Uma concentração de sentimentos em camadas.”

A resposta crítica foi esmagadora, impulsionando Marden ao estrelato no mundo da arte quando ele ainda tinha 20 anos. Hilton Kramer (1928 – 2012), revisando a retrospectiva de seu trabalho no Museu Solomon R. Guggenheim no The New York Times em 1975, chamou o Sr. Marden não apenas de pintor, mas de líder de uma escola inteira.

“As revistas de arte acompanham seu trabalho com muita atenção”, escreveu ele. “Pintores mais jovens, que mal saíram da escola, tomam seu trabalho como modelo da mesma forma que seus colegas uma vez tomaram o de Willem de Kooning, Jasper Johns e Frank Stella.”

O Sr. Marden manteve esse status elevado ao longo de sua carreira. Nas suas cinco pinturas do “Grove Group” do início a meados da década de 1970, inspiradas nas oliveiras que viu nas suas visitas anuais à ilha grega de Hydra, ele introduziu verdes, castanhos e pretos modulados nas suas telas; na vibrante “Summer Table” (1972-73), ele introduziu azuis pulsantes e um amarelo abrasador. “Depois de um verão na Grécia, senti que a luz deveria ser mais intensa, mais clara e menos encoberta”, escreveu ele em 1973.

Na década de 1980, Marden deu uma nova guinada dramática. Depois de ver uma exposição de caligrafia japonesa e visitar a Ásia pela primeira vez, ele desenvolveu um estilo baseado na caligrafia chinesa, tecendo laços e cordas coloridas em teias de linhas sobrepostas e cruzadas que cobriam telas de grande escala. Inicialmente angulares, eles evoluíram para fitas coloridas sinuosamente elegantes.

A série “Cold Mountain”, produzida entre 1989 e 1991 e baseada nos poemas Zen do escritor chinês Han Shan, sintetizou a sua nova abordagem, que parecia casar influências asiáticas com o trabalho linear de artistas como Piet Mondrian e Jackson Pollock.

Onde Marden liderou, seu público o seguiu, assim como a aclamação da crítica. Em 2006 foi objeto de uma retrospectiva de carreira no Museu de Arte Moderna que oficializou sua posição como grande artista. Ele estava, escreveu o Wall Street Journal , “entre o punhado de artistas vivos estabelecidos o suficiente para serem considerados parte da história da arte”. Peter Schjeldahl, do The New Yorker, chamou-o de “o pintor abstrato mais profundo das últimas quatro décadas”.

Nicholas Brice Marden Jr. nasceu em 15 de outubro de 1938, em Bronxville, Nova York, e cresceu nas proximidades de Briarcliff Manor. Seu pai trabalhava para uma empresa de serviços hipotecários. Sua mãe, Kathryn (Fox) Marden, era dona de casa.

Quando adolescente, ele apareceu nas páginas do The New York Times quando vendeu US$ 5 em ações de si mesmo para financiar uma viagem ao Texas, comprometendo-se a devolver o principal e os juros aos seus investidores. Ele voltou rico em experiência, mas com apenas US$ 10 no bolso.

Estudante sem brilho, ele se matriculou no Florida Southern College com um interesse pela arte que foi incentivado por um vizinho gentil que lhe comprou uma assinatura do Art News. Depois de um ano, transferiu-se para a Universidade de Boston, onde pintou autorretratos e naturezas-mortas e, em 1961, obteve o diploma de BFA pela Escola de Belas e Artes Aplicadas.

Enquanto estava em Boston, ele mergulhou na cena musical folk da cidade e se casou com Pauline Baez, irmã mais velha da cantora Joan Baez. O casamento acabou em divórcio.

Enquanto frequentava a escola de verão da Universidade de Yale em Norfolk, Connecticut, o Sr. Marden se aventurou na pintura abstrata. Ele continuou a seguir esse caminho na Escola de Arte da Universidade de Yale, onde seus colegas incluíam os pintores Nancy Graves e Chuck Close e o escultor Richard Serra. . Foi em Yale que ele começou a trabalhar com uma paleta suave e jurou fidelidade ao retângulo, numa época em que muitos pintores, notadamente Frank Stella, começavam a usar telas moldadas.

“Eu tive toda essa ideia, especialmente com as pinturas monocromáticas, de que você poderia obter a cor exata e perfeita para aquela forma, e se você conseguisse, se você realmente acertasse – digamos, se você tivesse absoluta correção de forma – Deus sabe o que a pintura era capaz de fazer”, disse ele a Harry Cooper, curador da Galeria Nacional de Arte de Washington, durante uma visita ao estúdio em 2009. Ao mesmo tempo, muitos dos seus títulos, referindo-se a pessoas, lugares ou acontecimentos, invocavam um mundo para além da moldura da pintura.

Depois de receber o título de mestre em artes plásticas em 1963, o Sr. Marden mudou-se para Nova York. Ele encontrou um emprego de meio período na Chiron Press, uma gráfica de serigrafia, onde trabalhou no primeiro pôster “Love” de Robert Indiana (1928–2018). Ele foi contratado como guarda no Museu Judaico, onde uma exposição de Jasper Johns influenciou muito suas ideias sobre toque, superfície e abstração. Mais tarde, trabalhou como assistente de estúdio de Robert Rauschenberg.

Seus primeiros painéis monocromáticos foram exibidos em 1964 no Swarthmore College e, logo depois, na Bykert Gallery. “As pessoas diziam que a pintura estava morta. E esta era a minha maneira de pensar: bem, há coisas que não foram feitas”, disse ele ao Sr. Cooper, da National Gallery.

Em 1968 começou a juntar os seus painéis em dois e depois em três, como na pintura final do “Grove Group” e na série “Red, Yellow, Blue” de 1974. A pintura monocromática atingiu uma espécie de apoteose no “ Anunciação” de 1978, cinco obras de três painéis em cores primárias aludindo aos cinco estados de espírito experimentados pela Virgem Maria depois que o Arcanjo Gabriel lhe disse que ela daria à luz o filho de Deus. John Russell, do The New York Times, chamou a série de “um dos mais ricos, mais claros e mais completos dos grandes projetos do nosso século”.