Masaki Kobayashi, ganhou o Prêmio Especial do Júri em Cannes em 1965

 

 

Masaki Kobayashi (nasceu em 14 de fevereiro de 1916, em Otaru, Hokkaido, Japão – faleceu em 4 de outubro de 1996, em Setagaya, Tóquio, Japão), diretor de cinema mais conhecido como o diretor de “Harikari”, um estranho e sanguinário filme de samurai, é o diretor deste. Ele merece elogios entusiasmados por sua arte cinematográfica distintamente oriental. Assim como muitos designers e cinegrafistas que trabalharam com ele. “Kwaidan” é uma sinfonia de cor e som que é incomparável. Também é bem representado em uma técnica de gestos japoneses por um elenco grande e ordeiro, o mais notável e digno dos quais é Katsuo Nakamura como o cantor cego de baladas. É um filme que se recomenda principalmente aos espectadores que podem apreciar rara sutileza e graça.

Kobayashi em seus maiores períodos nas décadas de 40 e 50, agora vistos como a Idade de Ouro da arte cinematográfica japonesa, era um perfeccionista que não fazia concessões. Escolheu temas difíceis que o público do pós-guerra, ansioso por esquecer os horrores da invasão e da ocupação, considerou demasiado perturbadores. Ele era um homem com uma mensagem de convicções humanitárias pacifistas, e os japoneses de hoje, especialmente os jovens, evitam como uma praga o que veio a ser conhecido como “os três Ds” – Sujo, Perigoso e Difícil. O idioma extremamente pessoal de Koba-yashi, seu ethos antiviolência, seus filmes de ritmo deliberado, muitas vezes muito longos, estão no polo oposto das catástrofes de efeitos especiais no ensurdecedor Dolbey Stereo que são o filme imbecil de hoje.

Kobayashi nasceu na encantadora cidade portuária de Otaru, na ilha mais ao norte do arquipélago. Ele estudou artes e filosofia orientais antigas e, após se formar em 1941, ingressou nos estúdios Shochiku em Ofuna como aprendiz de diretor. Mas quase imediatamente ele foi alistado no exército e enviado para a Manchúria com as forças de ocupação em Harbin. Ele já havia demonstrado insubordinação e oposição à guerra ao recusar a promoção a um posto superior. Ele foi capturado e passou a última parte da guerra em um campo de prisioneiros de guerra em Okinawa, que na época não fazia parte do Japão.

Com sua libertação em 1946, ele foi autorizado a voltar a trabalhar na Shochiku, como assistente de um grande e antigo diretor, Keisuke Kinoshita, um mestre severo e rigoroso. Ele começou a dirigir individualmente em 1952 com Musuko no seishun (“My Son’s Youth”) e em 1953 fez outro melodrama social no típico estilo Shochiku, Magokoro (“Sincere Hearts”) e dirigiu seu primeiro filme realmente pessoal, Kabe atsuki heya (“Quartos de Paredes Grossas”), com cenário adaptado pelo romancista Kobo Abe a partir dos cadernos secretos de autênticos criminosos de guerra, o tipo de tema ao qual Kobayashi voltaria com frequência.

No entanto, a distribuição deste filme marcante foi adiada durante quatro anos pelos burocratas da Shochiku que temiam ofender as autoridades de ocupação americanas sob MacArthur. Só apareceu em 1957. O acontecimento foi característico de muitas das frustrações artísticas que o diretor enfrentaria mais tarde na vida.

Ele tentou, sem muito sucesso, o melodrama psicológico no altamente emocional Kono hiroi sora no doroka ni (“Somewhere under the Vast Heavens”) em 1954, e Urawashiki saigetsu (“Days of Splendor”) em 1955. Ele foi mais em casa com dois filmes de crítica social marcados por um realismo revigorante e uma tendência humanista semelhante à de Kurosawa: Anata Kaimasu (“Eu compro você”) em 1956, e Koroi kawa (“Rio Negro”) em 1957. Estrelou um dos atores favoritos de Kurosawa, Tatsuya Nakadai, que logo se tornará de Kobayashi.

Essas criações mais pensadas, lentas e elegantes deram origem à gigantesca trilogia Ningen no joken (“A Condição Humana”), que levou três anos para ser feita, de 1959 a 1961. A primeira seção recebeu o prêmio San Giorgio no Cinema de Veneza. Festival em 1960. Com quase 10 horas de duração, esta obra monumental é o filme de ficção mais longo já feito. Kobayashi se retrata no idealista Kaji (interpretado por Nakadai), que abraça conceitos pacifistas-humanistas derivados tanto dos próprios julgamentos de Kobayashi durante a guerra quanto do romance original de Junpei Gomikawa.

Depois de um trabalho de transição, Karami-ai (“Amor Amargo”), em 1962, ele fez o que talvez continue sendo sua obra-prima mais conhecida, e o melhor filme japonês dos anos 60, Seppuku (1963), uma palavra-título de ressonância muito grave. , pois é a palavra formal cerimoniosa usada em vez do hara kiri mais popular e casual – que foi como foi lançado no Ocidente.

É um filme profundamente sério que ataca os mitos do bushido, o código moral feudal dos samurais no Japão do século XVI. Kobayashi comentou: “Quando fiz Seppuku, decidi que para filmes de fantasia não era necessário ser continuamente realista, como nas sagas históricas meticulosamente pesquisadas por Kurosawa, então intencionalmente tentei estilizá-lo tanto quanto possível.” O filme é realmente uma mistura de estilos, entre o simbolismo expressionista e o realismo severo, com lutas de espadas baléticas, duelos épicos ao sol com figuras em quimonos pretos contra a areia branca ou cortando-se quase comicamente entre as longas ervas de outono, sempre maravilhosamente poéticas. em imagens e sons e na música abstrata do falecido Toru Takemitsu costumava ter efeitos alucinantes.

Mas por mais que ele tentasse estilizar os figurinos, o único grande defeito dos filmes históricos contemporâneos torna-se aparente: os corpos e rostos modernos não são os do século XVI e não podem ser disfarçados. No entanto, é uma magnífica obra de arte e ganhou o Prémio Especial do Júri em Cannes em 1963.

Foi seguido em 1964 por um filme baseado em um quarteto de contos estranhos e melífluos atmosféricos de Lafcadio Hearn de seu livro Kwaidan, que Kobay-ashi, usando cores pela primeira vez, transformou em um espetáculo arrebatadoramente belo cujos cenários e figurinos suntuosos foram tratados em uma forma quase imparcial e abstrata que afastou muitas pessoas, apesar dos sons norteadores da adorável partitura de Takemitsu. Ganhou o Prêmio Especial do Júri em Cannes em 1965. O tom imparcial da crítica à rígida ética do samurai retorna em Joi-uchi (“Rebelião”) em 1967, quando ganhou o Prix Fipresci em Veneza e estrelou Tashiro Mifune ao lado de Nakadai.

Em 1968, Kobyashi adaptou um dos romances mais tediosos do falecido Shusaku Endo, Nippon no seishun (“A Juventude do Japão”), sobre o conflito de gerações durante a Guerra do Vietnã, e previsivelmente acabou sendo um filme enfadonho. Talvez o diretor já estivesse deprimido com as mudanças ocorridas no mundo cinematográfico japonês. O boom económico iniciou um rápido declínio nos valores culturais e parecia não haver mais lugar para o cinema clássico. Então Kurosawa, Kinoshita, Ichikawa e Kobay-ashi fundaram sua própria produtora, Yonki no kai (“O Clube dos Quatro Cavaleiros”), o que lhes permitiu fazer filmes decentes, mas pouco notáveis, dificilmente viáveis ​​comercialmente no novo clima invadido pela New Wave. diretores se esforçando para alcançar os franceses e fazendo filmes que atraíam os jovens.

Kobayashi detestava televisão, mas foi reduzido a fazer uma série em 1970, estipulando que poderia usar o material do junco para fazer seu próprio filme, Kaseki (“Fósseis”). Ele se recusou até mesmo a ver a versão televisiva. Ele também fez uma história de amor barata no Irã, onde esperava filmar o romance de Yashushi Inoue sobre a China budista, Tun Huang – um dos grandes projetos de Kobayashi que nunca foi autorizado a se concretizar. Aquela aventura Japão-Irã, Moyuru Aki (“Outono Ardente”) foi um fracasso em 1978.

A humilhação deste grande diretor foi completa. Mas ele lutou e, em 1983, conseguiu fazer um longo e impressionante documentário sobre os julgamentos dos crimes de guerra em Tóquio, Tokyo Saiban. Lembro-me de assistir a esta obra-prima em um cinema, atordoado e em silêncio aterrorizado por essa revelação de fatos históricos que os espectadores tentaram esquecer. Foi seguido em 1985 pelo que foi praticamente o último trabalho de Kobayashi, o decepcionante Shokutaku no nai ie (“A Mesa Vazia”).

Mais do que qualquer outro cineasta japonês contemporâneo, a arte de Kobayashi foi sustentada pelo trauma das suas experiências durante a guerra. Com o 50º aniversário da rendição em 1995, houve uma série de documentários sobre o assunto e os eventos que levaram a isso, o principal deles é uma adaptação de Reite Senki (“Relato da Guerra em Leyte”) de Shohei Ooka, escrito entre 1967 e 1969. Eu esperava que Kobayashi fosse representado. Mas, como tantas vezes acontecia, ele foi esquecido. Houve algumas homenagens a ele na Europa no final dos anos 80, retrospectivas no Festival de Cinema de La Rochelle em 1989, e uma mais completa em Paris em 1990. Mas na Grã-Bretanha, por razões puramente comerciais, o último episódio de Kwaidan foi brutalmente cortado. Humilhação e mutilação são a força vital do artista. Masaki Kobayashi foi um dos maiores e sofreu em silêncio. Sua morte pode ter o efeito de trazer algumas retrospectivas. Por outro lado, pode não ser, infelizmente.

Masaki Kobayashi, diretor de cinema: nascido em Otaru, Hokkaido, 14 de fevereiro de 1916.

Kobayashi faleceu em Tóquio em 4 de outubro de 1996

(Créditos autorais: https://www.independent.co.uk/news/people – NOTÍCIAS/ PESSOAS/ por James Kirkup – 14 de outubro de 1996)