Max Ernst, artista surrealista, que se destacou por seus dons excepcionais e seu poder de assustar e provocar, conheceu o grupo “Jovem Renânia”, que incluía Franz Marc e August Macke, ambos os quais deixaram uma marca considerável como pintores

Max Ernst, figura catalisadora da arte do século 20

Max Ernst (Brühl, Alemanha, 2 de abril de 1891 – Paris, 31 de março de 1976), artista surrealista, que se destacou mesmo antes da Primeira Guerra Mundial por seus dons excepcionais e seu poder de assustar e provocar.

Ernst foi proeminente no movimento dadaísta, bem como no movimento surrealista; deixou sua marca como pintor, escultor, escritor e criador de objetos enigmáticos. Mas, acima de tudo, funcionou como fonte de energia imaginativa e como testemunha da evolução do século.

Ele era um observador indispensável, mas também um participante indispensável: um sistema de alerta precoce de um homem só que repetidamente sugeria que a Europa estava em um mau caminho e provavelmente pioraria.

Sua importância não era tanto o fato de ele ter feito obras de arte cobiçadas – embora ele realmente o fizesse, e em grande número -, mas tanto quanto Sigmund Freud ou Franz Kafka, ele fez parte do seu tempo.

Max Ernst nasceu em 2 de abril de 1891, na pequena cidade de Brtlhl, perto de Colônia, Alemanha. Seu pai, Philipp Ernst, era um professor que ensinava surdos. Ele também era um disciplinador severo, uma espécie de místico e um pintor dominical particularmente prosaico. Max Ernst foi criado na mais estrita tradição católica romana, mas sua natureza questionadora e insubordinada logo o colocou em conflito com sua família, sua escola e sua igreja.

Decidindo que pensamentos e modos de cidade pequena não eram para ele, ele se tornou um aluno precoce tanto de Nietzsche quanto de Freud, cuja “Interpretação dos Sonhos” saiu quando Max Ernst estava no colégio. Ele também se preocupou com a psicologia anormal e, em particular, com a realização artística de doentes mentais, que então começavam a ser investigados.

Bom juiz de talento

Desde os 15 anos viajava sempre que podia, visitando museus, pintando e desenhando a partir da natureza, descobrindo um parentesco com os primeiros pintores alemães que podiam ser vistos, então, no museu de Colônia. Quando entrou na Universidade de Bonn, no inverno de 1908-9, ele havia lido todos os novos livros e visto muitas das novas pinturas que estavam dando o tom para o século XX na Europa.

Ele aprendia rápido e era um bom juiz de talento nos outros. Ele logo conheceu o grupo “Jovem Renânia”, que incluía Franz Marc e August Macke, ambos os quais deixaram uma marca considerável como pintores antes de serem mortos nas primeiras semanas da Primeira Guerra Mundial, o poeta francês Guillaume Apollinaire e o pintor francês Robert Delaunay quando visitaram a Renânia em 1913. Isso o confirmou na crença de que Paris era a cidade em que mais desejava viver. Enquanto isso, ele mostrou seu trabalho no Primeiro Salão Alemão de Outono em Berlim em 1913; seus colegas expositores incluíram Paul Klee, Marc Chagall e membros do Futurista.

Ele chegou a Paris brevemente em 1913, mas todos os planos para uma estada mais longa foram frustrados em agosto de 1914 pela eclosão da Primeira Guerra Mundial. Ernst serviu durante a guerra no exército alemão, parte na França e parte no que hoje é a Polônia. Ele era um soldado relutante, mas aparentemente invulnerável, cuja imunidade até mesmo ao golpe mais forte na cabeça era tal que seus camaradas o apelidaram de “o homem com a caveira de ferro”. Ele conseguiu continuar pintando e, em 1916, voltou a expor suas pinturas em Berlim; naquela ocasião, ele conheceu George Grosz.

ance Por meio de seus contatos no mundo da arte, ele conheceu o movimento Dada, que começou em Nova York e Zurique e acabou chegando a Colônia, Hanover, Berlim e Paris. Um de seus co-fundadores, Jean Arp, era seu amigo desde 1914; e quando Ernst foi dispensado do Exército em 1918 e voltou para Colônia, descobriu-se que ele e Arp tinham a mesma opinião sobre o estado do mundo e o estado da arte.

“Nós, jovens, voltamos da guerra”, disse ele mais tarde, “em estado de estupefação com o absurdo, a total imundície e imbecilidade do que aconteceu durante quatro anos. Tínhamos que nos vingar de alguma forma da ‘civilização’ responsável pela guerra.”

Magia em seus dedos

Ernst era ideal para os métodos provocativos e totalmente inesperados do movimento dadaísta. Como seus outros progenitores – Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray, Kurt Schwitters e Arp – ele o pegou. como certo que a vida física do que ele produziu pode ser curta. Usando qualquer material disponível – gravuras antigas, objetos encontrados na rua, fotos de jornais – ele descobriu que tinha magia nas pontas dos dedos. (Era uma mágica que ainda estava em pleno funcionamento quase 60 anos depois). Ele queria reafirmar as reivindicações da imaginação em uma época em que a Europa havia parado e cada uma das crenças nas quais o mundo pré-guerra foi fundado provou ser falsa.

Dada em Colônia foi motivo de intensa exasperação tanto para o exército de ocupação britânico quanto para a polícia alemã. Ernst ficou encantado quando a polícia fechou a exposição Dada de Colônia, e ainda mais encantado quando eles o procuraram alguns dias depois e disseram: “Você se importaria de abrir novamente. Ter que desligá-lo deu à polícia uma má reputação.”

Pouco depois de seu retorno a Colônia, ele se casou com Louise Strauss, uma historiadora de arte, e em 1920 nasceu seu filho, Jimmy. (Jimmy Ernst é conhecido há muitos anos em Nova York como pintor).

As circunstâncias da vida de Max trnst, porém, não favoreciam uma domesticidade estabelecida. Estava determinado a chegar a Paris, onde já tinha certa reputação com André Breton, futuro autor dos “Manifestos Surrealistas”, e com Tristan Tzara, um dos fundadores do dadaísmo. Sua primeira exposição de conde foi realizada na Galerie au Sans Parch l em 1921; consistia em colagens que ele havia enviado em um pacote de papel pardo e o estabeleceu imediatamente como um artista notável por sua inteligência ágil, seus poderes aparentemente ilimitados de invenção e seu jeito deslumbrante com a língua francesa.

Conhecido por ‘Celebes’

Durante o verão de 1921, os laços de Ernst com a França foram ainda mais consolidados por seu encontro com o poeta Paul Eluard, que depois disso se tornou um de seus amigos mais próximos. Em 1922, ele entrou na França ilegalmente e montou uma casa com Eluard e sua esposa, Gala (mais tarde viria a Sra. Salvador Dali). Em pouco tempo, ele se tornou conhecido por pinturas monumentais como “The Elephant Celebes” (agora na Tate Gallery em Londres), “Oedipus Rex” e “Ubu Imperator”. Estes combinados artesanato sólido com imagens que nunca perderam seu poder de perturbar.

Mas a ideia de se estabelecer como um homem que cumpria o horário de expediente, pintava regularmente para uma exposição anual e, em geral, se encaixava nos padrões tradicionais do mundo da arte era tão repugnante para Ernst em meados da década de 1920 quanto imediatamente depois. sua dispensa do Exército. Ele agia por instinto e por impulso. Em 1924, por exemplo, ele vendeu toda a sua produção para um comerciante em Diisseldorf e partiu para o Extremo Oriente para se juntar a Eluard no que parecia a seus amigos uma escapada sem motivação.

Imaginação sem limites

Quando voltou a Paris em outubro de 1924, Breton havia publicado seu “Primeiro Manifesto Surrealista”. O papel do inconsciente na arte havia sido formulado em termos não muito diferentes daqueles que Ernst poderia ter formulado para si mesmo como estudante antes de 1914; e ele próprio era considerado um dos principais ornamentos do movimento surrealista.

Ele continuou a inventar novas formas de fazer e combinar imagens, algumas calculadas, outras involuntárias. Ele visava o tempo todo manter sua imaginação livre; e por isso os procedimentos da pintura tradicional a óleo muitas vezes lhe pareciam muito lentos, muito trabalhosos, muito carentes de espontaneidade.

Foi por essa razão que muitas de suas realizações mais memoráveis ​​foram devidas a técnicas de um tipo bizarro ou idiossincrático. Esfregando madeira, cortando com uma tesoura afiada, importando elementos prontos como os usados ​​em “Duas Crianças Ameaçadas por um Rouxinol”, hoje no Museu de Arte Moderna de Nova York, ele manteve a expectativa sob controle . Em sua arte, ele era um solitário nato, embora às vezes se aproximasse de amigos como Arp e Joan Mir6 ou se deliciasse em se juntar a Eluard na publicação de um livro de poemas em que é muito difícil dizer quais versos eram devidos a quais. mão. No Grupo Surrealista, do qual Breton governava como um autocrata absoluto, ele era um renegado irredutível para quem o próprio nome de disciplina era odioso. Não é de surpreender que em 1926 ele tenha entrado em conflito com Breton por ter feito cenografia (com Miró) para o balé de n Diaghilev chamado “Romeu e Julieta”. Seguiu-se entre Ernst e Breton uma hostilidade que continuou até o dia em que Breton morreu.

Foi em 1927 que Ernst começou a grande série de imagens premonitórias que eram, na verdade, um retrato da Europa que estava por vir. Em “A Horda”, ele mostrou um exército demoníaco em marcha. Em “A Vision Inspired by the Porte St.-Denis at Night”, ele mostrou pela primeira, mas não pela última vez, uma grande cidade fechada e destruída. Inquietações de um tipo mais íntimo foram sugeridas em pintura após pintura. (Após o divórcio de sua primeira esposa, Ernst, em 1927, casou-se com Marie-Berthe Aurenche; mas foi somente em seu longo e feliz terceiro casamento com a pintora americana Dorothea Tanning que ele deixou de ter a visão mais sombria possível do vínculo conjugal).

Em 1929, Ernst publicou o que chamou de seu “romance de colagem”, “La Femme 100 Tetes”. Como seu sucessor, “Une Semaine de Bonte” (1934), este foi composto principalmente de gravuras alteradas: placas de romances populares do século XIX, revistas de aventura ou manuais de instrução técnica que ele recombinou de maneiras que nunca poderiam ser previstas. Juntos, esses dois livros formam uma enciclopédia das ansiedades de nosso século: surpreendente por seus recursos, sua sagacidade diabólica e seus raros momentos de repouso lírico.

Em 1933, o ano em que os nazistas chegaram ao poder na Alemanha, Ernst pintou “A Cidade Petrificada”, na qual uma acrópole sem nome é vista transformada em pedra após uma catástrofe não identificada. Pinturas como “The Barbarians March West” (1935) e “The Angel of Hearth and Home” (1937) não deixaram dúvidas ao espectador de que Ernst considerava tanto a sociedade em geral quanto. a instituição da domesticidade seja da pior maneira possível. A dança de guerra do suposto anjo em “The Angel of Hearth and Home” é de fato uma das imagens mais sinistras da pintura moderna.

Mudou-se para Avignon

Ernst havia sido alvo de desaprovação entre os nazistas desde 1933, quando deixou bem claro em “Europe After the Rain I” que, em sua opinião, a Europa estava ameaçada por uma calamidade que poderia ser comparada a uma grande maré de imundície. Toda a Natureza foi envenenada para ele pelas mudanças que ele viu na humanidade. Mas o instinto o levou, mesmo nos piores momentos, a construir uma arca para si mesmo; e em 1938 mudou-se com a pintora Leonora Carrington para uma casa não muito longe de Avignon, na França, que se propôs a restaurar e decorar como se fosse morar lá para sempre.

Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial, ele se viu, ao contrário, em apuros com os franceses, que o internaram como estrangeiro inimigo. Quando os exércitos alemães forçaram os franceses a se renderem, tornou-se uma questão de vida ou morte para ele escapar da França. Poucos homens poderiam ser mais difíceis de prender, mas mesmo depois de repetidas fugas, foi o máximo que ele pôde fazer para abrir caminho, com a ajuda de seu filho Jimmy e outros americanos, para os Estados Unidos.

Em 1941, ele chegou a Nova York com Peggy Guggenheim, que acabou se tornando sua quarta esposa. Ele teve sua primeira exposição em Nova York na Julien Levy Gallery em 1932 e, em 1936, Alfred Barr o incluiu na exposição “Fantastic Art, Dada, Surrealism” no Museu de Arte Moderna. Embora não desconhecido, portanto, ele achou difícil ganhar a vida com seu trabalho nos Estados Unidos durante a Segunda Guerra Mundial. Mais uma vez ele decidiu fazer uma arca para si: desta vez em Sedona, Arizona, que visitou pela primeira vez em 1943. Foi nesse ano que pintou o grande quadro chamado “Vox Angelica”, que é na verdade uma autobiografia pictórica dividida em compartimentos bem avaliados.

Ao contrário de muitos europeus que vieram para os Estados Unidos como exilados naquela época, Ernst teve um enorme deleite com a paisagem, os hábitos de fala e as tradições imaginativas dos Estados Unidos. O que não lhe importava tanto – e o que nunca deixava de incitar-lhe uma fina fúria de imprecações – era a acusação de “torpeza moral” que lhe surgia quando sua tempestuosa vida privada finalmente chegava a um ápice idílico na companhia de a jovem pintora Dorothea Tanning. Este accusa tinn foi silenciado quando ele e a Srta. Tanning se casaram em 1046, mas deixou de incomodá-lo que deveria ter sido nivelado.

O Arizona e o rio Colorado eram uma fonte de prazer sem fim para Ernst, assim como os filmes de WC Fields e a natural alegria de espírito e liberdade de expressão de sua nova esposa. Mas, fundamentalmente, ele ainda era um europeu e, uma vez terminada a Segunda Guerra Mundial, começou a pensar em voltar para a França. Uma primeira visita pós-guerra a Paris em 1950 foi a ocasião de reencontros emocionantes com Arp, Eluard, Tzara, Alberto Giacometti e outros. Mas em termos práticos não teve tanto sucesso, já que Ernst mesmo aos 59 anos não tinha a reputação merecida.

Ele foi, de fato, o último dos velhos mestres da arte moderna a receber o que lhe é devido. Mas quando ele recebeu o grande prêmio de pintura na Bienal de Veneza em 1954, o sentimento público finalmente começou a balançar a seu favor; e nos 20 anos seguintes, sua reputação aumentou de forma constante e sem interrupção. Ele foi, quase até o fim de sua vida, um ótimo trabalhador. Nada o deteve. Se seu médico estava preocupado com seu coração, Ernst pegava o eletrocardiograma e o usava como ingrediente em uma foto. Se o médico lhe dissesse para parar de trabalhar completamente, Ernst tirava o macacão de pintura e também o usava como ingrediente em uma pintura. Se a doença surgisse em seu caminho, ele a suportava com estoicismo romano.

Ele teve todas as honras que quis aceitar nas décadas de 1960 e 70. Todas as exposições também. (A última grande exposição de Ernst foi aquela que começou no Museu Guggenheim de Nova York em 1975 e depois mudou-se para o Grand Palais em Paris). Para aqueles que o conheceram naquela época, parecia que há muito tempo a fama o havia tomado por um lado e a fortuna por outro. Mas não foi assim: para ele sobreviver, ele precisou de um coração de ferro e uma natureza de aço.

A obra tardia prestou-se ainda assim a uma interpretação eufórica. Tinha uma alegria forçada, um frescor e uma felicidade de invenção que raramente lhe faltava, mesmo quando as demandas por novos trabalhos chegavam a um ritmo que teria intimidado qualquer pessoa. homem com metade de sua idade. Ainda havia magia nas pontas dos dedos, assim como ele tinha o mesmo domínio da linguagem, a mesma postura ereta e impetuosa diante da vida e a mesma beleza espetacular que havia maravilhado seus novos amigos na França mais de 50 anos antes. Ele se comportou até o fim como era: o único de sua espécie.

Max Ernst faleceu em 31 de março de 1976
em Paris. Teria hoje 85 anos.
(FONTE: https://www.nytimes.com/1976/04/02/archives – The New York Times /ARQUIVOS/ Arquivos do New York Times / Por John Russel – 2 de abril de 1976)
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Esta é uma versão digitalizada de um artigo do arquivo impresso do The Times, antes do início da publicação online em 1996. Para preservar esses artigos como eles apareceram originalmente, o Times não os altera, edita ou atualiza.

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